La estatua de Baco era llevada procesionalmente, entre himnos
al macho cabrío que era sacrificado al retorno de la procesión, en un altar
colocado bajo una encina. Los himnos, entonados por sátiros y náyades que no
cesaban de danzar durante el trayecto, eran de un poeta del Peloponeso, llamado
Arión, que puede ser considerado el precursor de los autores dramáticos.
Estos festivales fueron luego modificándose, y se introdujeron,
en lugar del ya anacrónico mito, héroes y reyes, primera piedra del arte
escénico, colocada casi simultáneamente por Tespis, por Epigenes y por
Arión.
El ballet, es, pues, la primera manifestación teatral que se
conoce, y la única que existe todavía en los países salvajes o de rudimentaria
civilización.
Con anterioridad a Tespis, el teatro se reducía a un corifeo
que narraba las aventuras de un héroe o de un dios y un coro que le acompañaba y
le interrumpía de vez en cuando con preguntas y con exclamaciones de júbilo o de
dolor. Tespis imaginó representar al héroe, encarnarlo.
Tespis era natural de Icaria y nació hacia el año 540 antes de
Jesucristo.
El maquillaje en su más rudimentaria forma surge, también con
Tespis, que obligaba a embadurnarse el rostro con las heces del vino a todos los
componentes del coro.
Primero hubo un solo actor –corifeo-, y sólo necesitaba una
mesa junto al altar de Dionisos para dialogar con los chorentae, mesa o
carro que se colocaba en el centro de la orchestra. Cuando, aumentan los
actores la mesa se convierte en plataforma, y al fin la importancia de la
representación requiere ya una habitación o barraca donde los actores se
disfrazan. También entonces se levantan gradas de madera para el público, ya que
éste aumenta cada vez más y ya no puede situarse en filas, de pie, alrededor del
altar (thymele).
Parece ser que un día, representándose obras de Esquilo y
Pratinas, se hundieron las gradas. Ante el temor de que pudiera repetirse la
catástrofe, se acordó construir, con planos de Anaxágoras y Demócrates, un
teatro con graderío de piedra.
Vitrubio, en su libro V, describe las tres partes principales
del teatro griego: el muditorio, la orchestra y la barraca o
scena.
Las localidades estaban colocadas en semicírculo, apoyadas
sobre la pendiente rocosa de la Acrópolis. Al final del graderío existía una
columnata y detrás continuaban los asientos. En el centro de la orchestra estaba
el altar de Dionisos. A su alrededor danzaba el coro.
La scena estaba enmarcada por tres muros. Uno de frente
y otro a cada lado. El muro del centro solía adornarse con columnas, estatuas y
frisos. Tenía tres puertas. Por la central, de mayor tamaño, entraban los dioses
y los héroes. Las otras dos eran para los personajes secundarios. En los muros
laterales había también sendas puertas.
El teatro de Dionisos, cuyo emplazamiento se había perdido por
completo con el tiempo, fue descubierto en el año 1765 por el investigador R.
Chandler, prosiguiendo luego las excavaciones J. H. Strack en 1862 y Dorpfeld en
1886.
En la época de Sófocles ya existía el telón: una cortina doble
que se desplegaba hacia los lados. Los decorados -invención de Agatardo- estaban
colocados a guisa de forrillos, tras las puertas de enfrente. Estos decorados
-prismas (periaktes) atravesados por un eje- eran giratorios y en cada
una de sus caras tenían pintado un motivo diferente conforme a los tres géneros
teatrales de entonces: tragedia, comedia y sátira. Se suponía que la tragedia
ocurría en templos o en palacios; la comedia, en interiores, en calles, en
plazuelas, en mesones; y la sátira, en grutas o arboledas.
Había también una tarima pequeña con ruedas -enkyklema-
que se hacía avanzar desde una de las puertas del fondo y que servía para las
escenas nocturnas, desapareciendo cuando acababa la escena. Junto al
enkyklema estaban los exostras, cuyo uso es hoy desconocido, y una
especie de tribuna -teologeión- en la que aparecían las divinidades.
En el teatro de Atenas cabían 17,000 espectadores, en el de
Dfero, 30,000 y alrededor de las 35,000 personas en el de Megalópolis.
Había una silla reservada al sumo sacerdote y varios puestos de
honor en torno a él. El graderío recibía el nombre de "bajo" en los lugares
reservados a los altos dignatarios, "medio", el sitio que ocupaban los
ciudadanos, y "alto", la parte de las gradas destinadas a la plebe. En la parte
más alta estaban los "pórticos", cubiertos siempre y que se reservaban a las
mujeres.
En estos teatros se habían introducido ya notables mejoras y
adelantos. Eran ya suntuosos y amplios y tenían abundantes recursos escénicos y
decorados que aún se perfeccionaron después, sobre todo desde que Apolodoro
descubrió en el año 200 antes de Jesucristo las leyes de perspectiva.
Las primeras tragedias griegas ensalzaban las virtudes de los
dioses. Esquilo (525-456), Sófocles (496-406) y Eurípides (480-406) se
inspiraron para sus concepciones en los poemas homéricos, primer cantor de
dioses, semidioses y héroes. En la comedia griega se puede considerar tres
etapas: antigua, media y nueva.
La primera era esencialmente satírica. Los autores presentaban
en escena, perfectamente descritos, con sus nombres auténticos incluso, a los
jefés de Estado, a los filósofos, poetas, magistrados y generales. Muchos
autores fueron castigados por sus audaces mordacidades, entre ellos el poeta
Eupolis, al que Alcibíades mandó arrojar al mar.
Por fin se puso coto a estos desmanes cuando cayó el gobierno
de Atenas en poder de una oligárquica tiranía que empleó la censura, prohibiendo
que se llevasen a la escena personajes públicos.
De todos modos, no se consiguió que los autores desistieran de
sus propósitos de expresar lo que libremente sentían. Continuaron sus acres
censuras a los gobernantes y hombres de Estado, poniendo nombres supuestos a los
personajes, pero el público los reconocía fácilmente.
A este período pertenece la "comedia media". No duró mucho, sin
embargo, porque, considerando que era igualmente peligrosa, fue también
prohibida.
Nació entonces la "comedia nueva", o de costumbres, que
adquiere en Menandro su expresión más completa. Son llevados al teatro, como
medio de exposición, las corrupciones y vicios de la sociedad.
La comedia carece del coro y, aunque no tiene ya el cariz
personal de las primeras obras griegas, conserva aún su prístico ímpetu henchido
de aticismo.
El público griego gozaba también con el espectáculo de
pantomimas y con el "drama satírico", género bufo, cuyos personajes principales
y obligados tenían que ser satiricos y faunos.
Las representaciones empezaban muy temprano, poco después de la
salida del sol. El precio de las localidades, el teorikón, era de dos
óbolos. Desde los tiempos de Pericles el gobierno daba un óbolo para la entrada
y otro para la merienda a los pobres. Los gastos de sostenimiento del teatro
eran sufragados por los ciudadanos pudientes. Los que pagaban para el
sostenimiento del teatro se llamaban coregas, eran elegidos por los
arcontes y tenían que mantener a los individuos necesarios para componer el
coro. Los coros entraban en concurso antes de las fiestas y al sostenedor del
coro que vencía se le colocaba una corona de hiedra.
Esta costumbre se fue perdiendo a medida que el coro intervenía
cada vez menos en las representaciones dramáticas, quedando al cabo relegado a
un papel muy secundario: danzar y cantar en los entreactos.
En un principio, el autor y el actor eran una misma persona.
Esquilo elevó a dos el número de actores que intervenían en la representación
dramática. En la época de Sófocles eran tres ya los actores, e incluso más, ya
que a veces sucedía que en alguna representación se precisaban más
intérpretes.
Esquilo nació en Eleusis el año 525. Fue Soldado y poeta.
De él se ha dicho que su lenguaje poético es inimitable, y su
estilo uno de los más vigorosos que se han conocido. Murió en Gela, cerca de
Sicilia, el año 456. De las setenta u ochenta comedias que escribió, apenas
quedan hoy siete conocidas: Los persas, Las suplicantes, Los
siete contra Teabas, Prometeo encadenado, Agamenón, Las
coéforas, Las euménides...
Sófocles, nació en Colona, cerca de Atenas el año 496. Primero
fue sacerdote y el año 468 se reveló como autor dramático al serle premiada su
trilogía Triptolemo.
Dotado de un espíritu renovador y revolucionario, su aportación
dramática significó un avance definitivo para el teatro griego. Suprimió las
enormes y ampulosas tiradas de versos; aumentó el número de actores y dio a sus
personajes cierta humanidad.
Escribió más de cien tragedias, aunque a nosotros sólo han
llegado Edipo Rey, Edipo en Colona, Ayax, Antígona,
Electra, Filoctetes, Las traquinias... Sus obras han sido
vertidas a varios idiomas y se siguen representando en todo el mundo.
Eurípídes nació en Salamina, el año 480. Fue pintor, orador,
filósofo, poeta y dramaturgo. Sus principales obras son: Ifigenia en
Aulis, Ifigenia en Táurida, Hipólito coronado, Alcestes
y Las troyanas.Poética y literariamente quizá sea inferior a Esquilo y
Sófocles, pero teatralmente fue superior a ellos.
En Aristófanes se puede y debe considerar al político, al
crítico y al satírico. Como político escribió Lisístrata, Los
acanienses, Los Caballeros y La Paz. Como crítico -duro,
implacable- escribió: Las aves, Las ranas, Las nubes y
Ceres. Como satírico: Las avispas y Las junteras son las
más características. Escribió poco en relación con los demás y apenas queda una
docena de obras suyas.
Aristófanes es quizás el menos interesante de todos ellos y
alguna de sus piezas, por ejemplo Lisístrata, es hoy irrepresentable a
causa de la forma en que la concibió y expresó. Está escrita de un modo áspero,
crudo obsceno en muchos momentos, y no se detiene ante ninguna expresión del
lenguaje por fuerte y atrevida que sea, ni ante ninguna escena más o menos
inmoral
TIPOS
Teatro 0ccidental
Aunque los orígenes del teatro occidental sean desconocidos, la mayor parte de las teorías lo sitúan en ciertos ritos y prácticas religiosas de la antigüedad; aún hoy día ese tipo de rituales sigue cargado de elementos teatrales. Las diferentes teorías atribuyen los orígenes a múltiples prácticas: ritos antiguos de fertilidad, celebración de la cosecha, chamanismo y otras fuentes similares.
Teatro clásico
Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil.
El primer periodo en teoría teatral occidental se denomina clásico, porque comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y las obras están escritas en las lenguas clásicas, griego o latín.
TEatro medieval
Irónicamente, el teatro en forma de drama litúrgico renació en Europa en el seno de la Iglesia católica romana. Con idea de extender su influencia, la Iglesia católica adoptó con frecuencia festivales que tenían un marcado carácter pagano y popular, muchos de los cuales tenían elementos teatrales. En el siglo X, los diferentes ritos eclesiales ofrecían posibilidades de representación dramática; de hecho, la misa misma no estaba lejos de ser un drama. Algunas festividades se celebraban con actividades teatrales, como las procesiones del Domingo de Ramos. Las antífonas, responsos, salmos, motetes y horas canónicas sugerían un diálogo. En el siglo IX, los adornos antifonales, conocidos como tropos, fueron añadidos a los complejos elementos musicales de la misa. Un tropo pascual de tres versos con un diálogo entre las tres Marías y los ángeles en la tumba de Cristo se considera desde el 925 el origen del drama litúrgico. Para el 970 ya existía un manual de acotaciones para esta pequeña obra, incluyendo elementos de vestuario y gestos físicos.
Teatro del renacimiento
La música del teatro renacentista Los creadores e intelectuales del renacimiento intentaron restaurar los ideales artísticos de la antigüedad clásica. El espíritu de la época se reflejó en las canciones profanas y en la música cortesana, que pasaron a integrarse en la vida del arte y de las letras. El dramaturgo inglés William Shakespeare utilizó canciones y baladas populares en sus obras y sus propios versos inspiraron a numerosos compositores de canciones y de música orquestal para teatro. "Greensleeves" de Shakespeare
La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Moliére, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. Además, la participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados.
El renacimiento empezó en diferentes momentos dependiendo del lugar de Europa y no fue nunca un cambio repentino sino un lento proceso de evolución en las ideas y valores de la época. En el teatro, supuso un intento de recrear el drama clásico. Como los métodos de producción y representación clásicos no se conocían perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente como neoclasicismo.
Teatro del siglo XVIII
El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. A El rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor. Sin embargo, también se produjo una reacción contra el neoclasicismo y un creciente gusto por lo sentimental; esto se debió en gran parte a la aparición de una pujante clase media. Dramaturgos como el alemán Gotthold Ephraim Lessing, el francés Pierre de Marivaux, George Lillo y Richard Steele en Inglaterra, escribieron obras sobre la clase media y baja en situaciones realistas pero simplistas, en las que el bien triunfaba de forma invariable. Este tipo de obras se conocía bajo los nombres de drama doméstico o drama sentimental.
Teatro del siglo XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.
Teatro romántico
En su forma más pura, el romanticismo proponía en el plano espiritual que la humanidad debía trascender las limitaciones del mundo físico y el cuerpo alcanzar la verdad ideal. La temática se extraía de la naturaleza y del hombre natural. Quizá uno de los mejores ejemplos de teatro romántico sea Fausto (Parte I, 1808; Parte II, 1832) del dramaturgo alemán Johann Wolfgang von Goethe. Basada en la clásica leyenda del hombre que vende su alma al diablo, esta obra de proporciones épicas retrata el intento de la humanidad por controlar conocimiento y poder en su constante lucha con el Universo.
Los románticos se centraron más en el sentimiento que en la razón, sacaron sus ejemplos del estudio del mundo real más que del ideal, y glorificaron la idea de artista como genio loco liberado de las reglas. Así, el romanticismo dio lugar a una amplia literatura y producción dramáticas que con frecuencia ignoraba cualquier tipo de disciplina.
El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa. Muchas de las ideas y prácticas del romanticismo eran ya evidentes en un movimiento de finales del siglo XVIII llamado Sturm und Drang, liderado por Goethe y el dramaturgo Friedrich von Schiller. Estas obras no tenían un estilo en particular, pero sí eran emocionales en extremo y, en su experimento formal, abonaron el terreno para el rechazo del neoclasicismo.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica y efectos escenográficos suntuosos y aparatosos. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español.
Melodrama
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX.
El melodrama como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren. Sin embargo, es incuestionable que representa la forma más popular de teatro jamás producida. Provee un vehículo para los efectos escénicos más espectaculares, así como para una interpretación efectista. Del mismo modo asienta las bases para la fórmula teatral más extendida hoy día: la televisión. La palabra melodrama tiene dos significados: combinación de comedia y tragedia (mezcla de géneros), y un drama acompañado de música. Esta última definición puede aplicarse fácilmente a la mayoría de películas y producciones televisivas, en las que los personajes son identificados a través de la temática, y las emociones del público manipuladas a través de la música.
Teatro del siglo XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.
Precursores de vanguardia del teatro moderno
Muchos movimientos, normalmente agrupados bajo el término vanguardia, intentaron sugerir alternativas a la producción y al teatro realista. Varios teóricos pensaron que el naturalismo presentaba solamente una visión superficial y por tanto limitada de la realidad, que podía encontrarse una verdad o realidad más importante en lo espiritual, en el inconsciente. Otros sentían que el teatro había perdido el contacto con sus orígenes y no tenía sentido para la sociedad moderna más que como forma de entretenimiento. Alineándose con los movimientos artísticos modernos, se dio un giro hacia lo simbólico, la abstracción, lo ritual, en un intento de revitalizar el teatro.
Teatro simbolista
El primero en adoptar las ideas de Wagner fue el movimiento simbolista en Francia en la década de 1880. Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño. La intención era provocar una respuesta inconsciente más que intelectual, y retratar los aspectos no racionales del personaje y los episodios en escena.
Teatro expresionista
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
Teatro contemporáneo
Aunque el realismo puro dejó de dominar la escena popular después de la I Guerra Mundial, el teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo, el objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas.
El teatro europeo no se hallaba tan mediatizado por el realismo psicológico y su preocupación se centraba más en los juegos de ideas.
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*ENCUANTOA COMO HACERLA TU MISMO Y TUS COMÑAEROS DEBEN SELECCIONAR LA TEMATICA D ELA OBRA.
* ESCOJEN CUANTOS PERSONAJES VAN A ESTAR EN LA OBRA
* ES PREFERIBLE QUE LA INVENTEN UDS MISMO, REALIZAN EL LIBRETO.
* LUEGO TE PREOCUPAs por la escenografia y la vestimenta de cada uno, y la música.
